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25 film di rapina preferiti di tutti i tempi

Dal 1903 'La grande rapina in treno'Praticamente abbiamo inventato il cinema come lo conosciamo (il primo utilizzo di tagli trasversali, movimento della fotocamera e riprese in loco), film e immagini rapinate sono stati inseparabili. Forse è il fascino evasivo del fuorilegge, forse è l'odio della gente verso le banche, o forse è quell'atto di rubare cose che non ti appartengono che è intrinsecamente cinematografico, ma la forma è stata costantemente popolare da oltre un secolo ormai. Anche se non è mai veramente andato via, e probabilmente non lo sarà mai, negli ultimi mesi hanno visto una coppia di nuove voci, dal sublime ('Inception', che nonostante i suoi tratti di fantascienza è davvero un buon film di capperi vecchio stile) a il ridicolo (Hayden Christensen e il suo cappello di torta di maiale eminentemente punibile in 'Takers'). 'The Town' di Ben Affleck esce oggi nei cinema, e mentre è un pezzo di personaggio sui rapinatori di banche nelle cattive strade di Boston, è costruito attorno a tre sequenze rapide avvincenti e ben eseguite tra le migliori che abbiamo visto da molto tempo. In onore di quel film, abbiamo messo insieme un elenco dei nostri film di rapina preferiti; quelli che ci stupiscono ogni volta che facciamo un giro.

Alcuni dei film di cui discutiamo sono proiettati al Film Forum di West Houston Street in un'eccellente serie di doppie fatture dall'1 all'1 ottobre, quindi se qualche lettore di New York non ha familiarità con questi titoli, dovresti assolutamente provarlo. Il resto di noi dovrà solo riempire quella coda di Netflix ...

'The Lavender Hill Mob'(1951)
Non tutti i film possono dire di aver dato alla luce un intero sottogenere, ma la commedia di rapina, vista da allora in tutto da 'To Catch A Thief' a 'Bottle Rocket', non esisteva prima del 'The Lavender Hill Mob' del 1951 . ”Una delle migliori commedie di Ealing, vede Alec Guinness nei panni di un timido impiegato di banca (in una grande interpretazione nominata all'Oscar) che ha escogitato un piano per rubare lingotti d'oro dal suo posto di lavoro. Insieme a un gruppo di improbabili imbroglioni (Stanley Holloway, Alfie Bass e il grande Sid James), scoprono di poter portare il lingotto in Francia e scioglierlo, mascherando il loro bottino come souvenir della Torre Eiffel. Come in una versione comica di 'The Killing' di Kubrick, la rapina si interrompe senza intoppi, ma a seguito di un malinteso vedono le statue vendute come veri e propri souvenir. È stranamente avvincente - il film è stato originariamente concepito come un dramma etero - e il regista Charles Crichton (che all'età di 78 anni avrebbe diretto un altro classico della commedia della rapina britannica, “A Fish Called Wanda”) aveva una delle mani comiche più sicure del settore , ma ciò che colpisce è il livello di pathos generato da Guinness e Holloway: vorrai che il gruppo abbia successo, e considerando che è una commedia, il finale è profondamente commovente. Tieni gli occhi aperti anche per un giovane Audrey Hepburn.

'L'affare Thomas Crown'(1968)
L'ibrido cappero / romanzo di Norman Jewison è una fetta abbagliante e irresistibile dell'evasione pop anni '60, attraversata da una sottile sfumatura di cinismo oscuro. Steve McQueen è l'omonimo antieroe, un laconico milionario in cerca di brivido che orchestra un'audace rapina in banca a Boston - in gran parte per noia. Faye Dunaway è il suo film Vicki Anderson, un investigatore assicurativo unico nel cinema attraverso la passerella di Milano e la copertina di Vogue. Ne derivano tutti i tipi di eleganti shenanigans di gatto e topo, tra cui la contesa di scacchi 'erotica' giustamente infame, che Jewison mette in scena come un set barocco, quasi psichedelico. È facile vedere Crown semplicemente come un'orgia di realizzazione edonistica dei desideri, e solo a questi termini, il film esce davvero dallo schermo. La direzione di Jewison è una borsa di trucchi vertiginosa e propulsiva: l'editing è vivace, arguto e orientato alla battuta, la colonna sonora eclettica e l'uso dello schermo diviso è davvero gratuito. Il glamour e i giocattoli costosi abbondano. Tuttavia, questo cappero non è privo di una certa oscurità - Jewison ha immaginato Crown come una storia d'amore tra due anime vuote e narcisistiche, una 'relazione amorosa tra due merde' - e una certa malinconia si insinua mentre la coppia si rende conto del grado in cui sono intrappolate nella propria cinica autostima. Thomas Crown ha ricchezza e rispettabilità, ma sente il costante bisogno di correre rischi e opporsi al sistema - un ruolo stranamente adatto, quasi autobiografico per McQueen. Il remake di John McTiernan non è neanche male, ma non una patch sull'originale di Jewison.

“;The Hot Rock”; (1972)
Scritto dallo scrittore due volte vincitore del premio Oscar William Goldman ('Butch Cassidy & The Sundance Kid', 'Tutti gli uomini del presidente') e con una colonna sonora piena di jazz di Quincy Jones, Peter Yates &Peter; l'ottavo lavoro di regia lungo un lungometraggio è un prodotto della sua epoca e potrebbe essere considerato un film per eccellenza degli anni '70 in quanto caratterizzato da molte pietre miliari di quel periodo; un ritmo laconico, loquace, uno spirito asciutto e comico e una realtà che hanno caratterizzato il decennio del cinema americano. Con Robert Redford, il sempre superbo e sottovalutato George Segal, gli attori del personaggio Ron Leibman, Moses Gunn e la leggenda della commedia Zero Mostel, 'The Hot Rock'. è stato effettivamente etichettato come cappero comico durante la sua uscita, ma il suo umorismo è abbastanza sottostimato dagli standard di oggi. Tuttavia, è innegabile che il film abbia un tono lento e arioso che lo rende facilmente guardabile. Rispetto ad alcuni di questi altri classici freddi, la foto di Yates potrebbe sembrare un po 'leggera qui, ma è forse un importante modello low-key che altri seguiranno; più significativamente in Wes Anderson 'Bottle Rocket'. - che lo sappia attivamente o no.

'Dodici dell'Oceano'(2004)
'Ocean's Eleven' di Steven Soderbergh è un'opera elegante e divertente, uno dei pochi rifacimenti che supera l'originale. Ma è il sequel, 'Ocean's Twelve' del 2004, la scelta della trilogia da parte degli appassionati di cinema: un colpo di scena più lento che è puro piacere dall'inizio alla fine. In debito con i film della New Wave europea, è una delle foto formalmente più sperimentali di Soderbergh, e vederlo cavarsela in un palo da studio è ancora più elettrizzante. Sì, la scena di Julia-Roberts-interpreta-un-personaggio-che-interpreta-Julia-Roberts alla fine è un po 'compiaciuta, ma per la maggior parte è un'immagine ingegnosa, divertente e che non merita la critica eviscerazione che ha ricevuto al suo rilascio: in effetti, è diventato una specie di favorito della playlist con il passare degli anni. E come film di rapina, non ha eguali nell'ultimo decennio, con una serie di setpieces (in particolare la sequenza di capoeria di Vincent Cassel, introdotta su suggerimento dell'attore), che batte qualsiasi cosa come 'Takers'.

'Inside Man'(2006)
Fino a quando non lo ha imbottigliato con 'Miracle At St. Anna' (anche se anche quel film ha i suoi difensori qui), Spike Lee era piuttosto in fuga nel bel mezzo delle risate. “The 25th Hour” è stato uno dei migliori film del decennio e “When The Levees Broke” è stato uno dei migliori documentari. Tra questi due, ha realizzato facilmente il suo film più mainstream fino ad oggi, il film rapinatore 'Inside Man'. Sebbene inizialmente sembrasse piuttosto generico, si è rivelato non solo un film divertente per gli adulti, ma ha anche dimostrato di essere uno Spike Lee Joint fino in fondo. Mentre la trama era certamente inverosimile, la presunzione della rapina centrale era piena di suspense e imprevedibile, e il cast era uniformemente fantastico, avendo chiaramente il tempo della loro vita: Denzel Washington squallido, sciolto e simpatico, Clive Owen d'acciaio, ironico e mercenario, e Jodie Foster offre forse la migliore interpretazione che abbiamo visto da lei in un decennio, nel tipo di ruolo che raramente assume in questi giorni. E questo senza menzionare Chiwetel Ejiofor, Willem Dafoe, Christopher Plummer o l'ensemble tipicamente vibrante di New York che Lee ha raccolto. È anche inaspettatamente e costantemente esilarante, girato con uno stile e uno stile anni '70 flessi, stile Lumet e un'immagine di New York in tutto e per tutto.

“;Colletto blu”; (1978)
Affascinante, abbastanza intenso e tragico (questo scrittore era completamente depresso dopo averlo visto), il debutto alla regia di Paul Schrader nel 1978 (appena due anni dopo aver scritto 'Taxi Driver') è uno sforzo incredibilmente sottovalutato e subdolo nel corpo di spot del regista di lavoro (lo qualificheremo momentaneamente). Sia scritto o diretto (o in entrambi i casi), il lavoro di Schrader degli anni '70 ('Rolling Thunder', 'Obsession', 'Hardcore'), era quasi sempre preoccupato del decadimento americano post-Vietnam / post-Nixon e di questa preoccupazione forse non è mai stato meglio esemplificato che in 'Blue Collar'. ”; Con Harvey Keitel, Yaphet Koto e, in una rara svolta drammatica, Richard Pryor, il film è incentrato su tre lavoratori automobilistici disinteressati di Detroit che, stufi dei loro bassi salari e maltrattamenti dalla loro unione e capi inefficaci, escogitano un piano per derubare il loro sindacato e rsquo ; s sicuro. Uno sforzo fallito sin dall'inizio, il piano inizia a svelare rapidamente quando il trio scopre l'operazione di prestito illegale dell'organizzazione del lavoro e l'ansia si sviluppa dalle crescenti indagini criminali. I primi film di Schrader ribollivano di rabbia e rabbia quasi incontrollabili, che probabilmente avevano a che fare con la sua repressa educazione calvinista, ma non ha mai avuto un ritratto di rapina così vetrificato all'inizio e poi straziante nella sua scomparsa. Il film è interpretato anche da Ed Begley Jr. e vanta una colonna sonora del venerabile Jack Nitzsche.

'La fuga'(1972)
Basato su un romanzo del poeta vincitore della polpa dura Jim Thompson, diretto dal favorito femminista Sam Peckinpah, e interpretato da Steve McQueen saldamente nel mezzo di una crisi matrimoniale impregnata di cocaina, 'The Getaway' emerge da una fitta nebbia di testosterone : non c'è niente di più che una notte da ragazzi. Ali McGraw (in qualche modo sbagliata, con effetti occasionalmente affascinanti) usa le sue astuzie per liberare il marito 'Doc' McCoy (McQueen) dalla prigione. Dopo una rapina in banca fallita, la coppia litigiosa si mette in fuga con il bottino, inseguita da poliziotti con carne da cannone e una varietà di imbroglioni, guidata da Rudy (Al Letteria) sorprendentemente repellente e malvagio. Forse inevitabilmente, tutto culmina in un bagno di sangue a El Paso e una tenera riconciliazione per gli amanti della vita reale. Questo non è affatto Peckinpah di alto livello; sia lui che McQueen erano alla disperata ricerca di un colpo senza fronzoli dopo il fallimento commerciale di 'Junior Bonner' (1972). Tuttavia, ci sono tutti i punti fondamentali - montaggi incredibilmente modificati, balletto di proiettili slo-mo brevettato - e 'The Getaway' è un film d'azione solido e diretto che è sempre divertente vagare nel bel mezzo della TV a tarda notte Forse non Robert Evans 'film preferito però ...

'Bob le rullo'(1956)
Il significato di 'Bob Le Flambeur' non può essere sopravvalutato. Accanto a 'Rififi', rappresentava la nascita di una nuova scuola - una sensibilità che era ugualmente americana e francese, e gestiva la rara impresa di essere sia sfacciatamente derivata che palpabilmente nuova. Girato in giro per le strade di Parigi, spesso usando la luce naturale e le tecniche portatili fai-da-te, Bob è anche il chiaro precursore di 'A bout de souffle' e l'intero ethos della New Wave. Avrebbe potuto facilmente essere solo un altro riff nella bibbia del film della rapina di Huston 'The Asphalt Jungle', ma invece Melville utilizza la struttura di base 'Jungle' per sviluppare uno studio ironico e comico di un personaggio e del suo ambiente. In quanto tale, l'antieroe titolare di Roger Duchesne è una delle prime e migliori esplorazioni dello schermo del giocatore compulsivo, per il quale il rischio è un modo di vivere, una vocazione esistenziale. Per questo motivo, il film di Melville è meglio inteso a minare le sue aspettative di genere, per alcuni aspetti come un film anti-rapina. Ma va oltre il genere per diventare molte cose: un inno poetico a Parigi e le vite dei suoi abitanti marginali e notturni, un'elegia classica di cavalleria e onore passati in un mondo crepuscolare e un'esplorazione ironica delle inspiegabili operazioni del caso, come visto attraverso gli occhi di un giocatore d'azzardo pieno di sentimento. Un'opera formativa chiave di uno degli architetti cruciali del quadro della rapina.

'L'autista'(1978)
La Walter Hill della fine degli anni '70 / primi anni '80 era un completo e assoluto malvagio. Film come 'The Warriors', 'Southern Comfort', '48 Hours' e 'Streets of Fire' stabiliscono degli standard estetici e contengono un forte pugno di testosterone, quindi è un po 'triste che la sua recente produzione teatrale sia stata così scadente- anatra ('Supernova', 'Indiscusso'). Lo stile virile di Hill è stato messo a fuoco con 'The Driver' del 1978, un film snello e meschino di inseguimento in auto / rapina con una performance silenziosamente forte di Ryan O 'Neal come personaggio titolare al centro. Il personaggio senza nome di Neal ruba le auto che poi guida durante le rapine e che spesso portano a inseguimenti di auto elaborati e ben organizzati. Bruce Dern è lo sbirro dedicato che sta cercando di rintracciare Neal, che non si fermerà davanti a nulla per ottenere il suo uomo. Per quanto riguarda la trama, è roba abbastanza standard. Ma ciò che Hill ha sempre eccelso è mostrare gli uomini in azioni violente e 'The Driver' non fa eccezione. Il regista danese Nicolas Winding Refn (il brillante 'Bronson', 'Valhalla Rising') sta per iniziare le riprese del suo opus driver di guida, 'Drive', con Ryan Gosling, che sembra annuire pesantemente a questo; sarà l'equivalente di questo classico di Walter Hill per una nuova generazione?

“Città in fiamme'(1987)
Un poliziotto sotto copertura si infiltra in un anello di ladri di diamanti solo per vedere la loro ultima rapina di diamanti fallire. Suona familiare? No, questo non è un remake di Hong Kong di 'Reservoir Dogs'. Rilasciato nel 1987, questo film d'azione ha riempito la suspense di Hong Kong non solo inserendo il suo regista, Ringo Lam, sulla mappa, ma anche una squadra di Chow Yun-Fat con Danny Lee, la chitarrista degli Shaw Brothers del 1970, per la prima volta (i due avrebbero più tardi rifare con grande efficacia in John Woo 'Il seminale' The Killer '. Il film è caratterizzato da eleganti scene d'azione che renderebbero orgoglioso Sam Peckinpah e una miriade di scatti indelebili; Il memorabile colpo di luce del film che scorre in un magazzino pieno di proiettili, per esempio, è stato omaggiato / sollevato da Robert Rodriguez per la sua fine a Dal crepuscolo fino all'alba. Yun-Fat offre una delle sue esibizioni più sfumate quando l'eroe in conflitto è coinvolto tra i suoi impegni professionali e legami personali, mentre Danny Lee è eccellente come capofila dei ladri di diamanti che si scaldano lentamente verso il nuovo arrivo. Nonostante alcune scene di “; Reservoir Dogs ”; assomigliando in modo misterioso ad alcune scene di “; City on Fire ”; e i due film generalmente condividono una trama, Tarantino mantiene l'ignoranza. Quando gli è stato chiesto della somiglianza tra i due film, secondo quanto riferito Tarantino ha scherzato dicendo che stava morendo dalla voglia di vedere [City of Fire ''.]

“;Straight Time”; (1978)
Ancora un altro sottovalutato classico degli anni '70, Ulu Grosbard " Straight Time ”; con una fantastica svolta di Dustin Hoffman nei panni di un ex-truffatore che cerca di andare ... (aspettalo) dritto, è una di quelle foto sciolte, laconiche, ma svelte, decadi, gesso pieno di momenti agili che sembrano come se fossero inventato sul posto. Interpretato anche da una giovane e simpatica Theresa Russell, Gary Busey, Harry Dean Stanton, M. Emmet Walsh e Kathy Bates (che ne dici di un cast killer), Hoffman interpreta Max Dembo, un ladro che cerca di farcela fuori , ma costantemente perseguitato dal suo duro poliziotto (Walsh). Incontra una giovane ragazza (Russell) che lo tenta di stare su e su, ma non dura e presto il truffatore dell'anca sta pianificando un altro elaborato furto di gioielli con i suoi amici. Scritto da Alvin Sargent ('Paper Moon', 'Ordinary People', i film di Sam Raimi 'Spider-Man') e Jeffrey Boam ('The Lost Boys,' The Dead Zone '), i veri fanatici del crimine potrebbero saperlo meglio come l'immagine basata sul criminale della vita reale Eddie Bunker 'No Beast So Fierce'. (Bunker ha anche scritto la sceneggiatura). È noto per aver interpretato Mr. Blue in Tarantino 'Reservoir Dogs', ' e, come Danny Trejo, è riconosciuta come icona della truffa nella vita reale nel cinema. Per inciso, Trejo e Bunker si incontrarono per la prima volta nella prigione di stato di Folsom. Secondo quanto riferito, Michael Mann ha anche contribuito alla sceneggiatura a titolo non accreditato. Basti pensare che il film ha un grande pedigree criminale ed è assolutamente da vedere nel genere cinematografico.

'Come rubare un milione'(1966)
La commedia di rapinatori del 1966 di William Wyler è la definizione stessa di un film del calibro di cui 'loro' non fare più. La schiumosa divertente e accattivante chimica tra Audrey Hepburn e Peter O Toole (sicuramente due delle persone più belle che siano mai vissute) sembra senza sforzo, ma è davvero un fulmine cinematografico in una bottiglia, rendendo il film una confezione puramente evasiva che riesce completamente in la sua semplice ambizione: intrattenere e niente di più. E mentre questo è meno un film di capperi tramato in modo intricato che una vetrina per Givenchy di Hepburn, il divertente scintillio di O Toole, alcune auto scoperte ordinate e alcune località francesi di classe superiore, la rapina stessa, che coinvolge un capolavoro falso, un boomerang e una conoscenza innata della natura umana, in realtà è abbastanza inventivo, anche se è davvero solo una scusa per avere i nostri due protagonisti profondamente attraenti confinati in un piccolo spazio chiuso per ore. Che i loro romantici propositi trasversali e inganni ben intenzionati (perché ovviamente i due si stanno anche confondendo) alla fine si risolveranno da soli, non è mai in dubbio, ma mentre il finale potrebbe essere prevedibile, è anche perfettamente soddisfacente - forse il film è formulaico, ma questa è un'occasione rara in cui la formula funziona totalmente. È una sostanza insostanziale come una bolla, e se non resiste a un esame particolarmente attento, beh, perché vorresti approfondire ancora di più quando i suoi amuleti di superficie sono così notevoli?

“;Bottle Rocket”; (1996)
Probabilmente daremmo il dado sinistro se Wes Anderson tornasse a questo stile di produzione cinematografica sobrio ma brillante, ma è improbabile che ciò accada fino a quando non si allenta con la vecchiaia e supera i suoi tic stilistici. In ogni caso, c'è una ragione per cui questa commedia spericolata e impassibile su tre amici che fanno tre ladri completamente patetici e inetti è nella lista di Martin Scorsese come uno dei migliori film degli anni '90. Dimentica i film simili a diorama sovraccarichi eccentrici di Anderson, e Bottle Rocket ”; riposa vicino alla cima della sua opera migliore, a mondi lontani dalla fredda sterilità di 'The Life Aquatic' o 'The Darjeeling Limited'. Contrassegna le apparizioni di debutto di Luke e Owen Wilson (e anche alcune delle loro opere migliori), oltre al ormai scomparso Robert Musgrave, 'Bottle Rocket'. è più un film sull'amicizia e gli ingenui sognatori di quanto non sia un tradizionale ritratto di rapina, ma è forse quello che lo rende così brillante. Nato da Tarantino-aspiranti-ismi, per fortuna, al momento ’; Rocket ’; colpire lo schermo era del tutto qualcosa in sé (ed è stato ricompensato come tale da essere regolarmente ignorato dai fanatici del teatro). Piena di commedia sotterranea affascinante e scarsamente illuminata, la foto non rovina nemmeno la sua vera rapina e presenta un climax troppo divertente che raffigura questi sciocchi che si intromettono nel loro schema ben pianificato ('Io non ce l'ho, I' ho perso il mio tocco, ”; Kumar intona esilarante). Sottomesso, spiritoso e allegro, & Bottle Rocket ”; è una piccola gemma.

'Tocca Non per Grisbi'(1954)
Ci scusiamo con Marcello Mastroianni e George Clooney, ma uno dei più gentili e debuttanti signori che abbia mai abbellito il grande schermo è stato l'attore francese Jean Gabin. Meglio conosciuto dai cinefili per i suoi film degli anni '30 e '40 con il grande Jean Renoir, Gabin era una grande star allora, ma ebbe un paio di decenni difficili, fino a quando questo film lo riportò nuovamente in vetta. Nel thriller di Jacque Becker (tradotto 'Non toccare il bottino') Gabin interpreta un vecchio gentiluomo che vuole ritirarsi mentre sta diventando bravo e pensa che sia il piano dopo una rapina di lingotti d'oro di successo. Tuttavia, poiché la maggior parte di queste storie va, entrare nel gioco è facile, lasciarlo è molto più difficile. Presto apprende che un altro gangster rivale e un brutale boss criminale (Lino Ventura, che apparirà di nuovo a breve) ha sentito parlare del suo punteggio dalla sua fidanzata, una brava ragazza interpretata da un'allora giovane Jeanne Moreau. Lo spietato boss del crimine di Ventura offre a Gabin la possibilità di rinunciare ai soldi o morire, e ciò che ne consegue è un gioco teso di gatto e topo. 'Touchez' può essere chiacchierone e lento, ma il secondo tempo aumenta la tensione quando la posta in gioco aumenta e gli amici vengono rapiti, e il finale esplosivo contiene una sequenza d'azione degli assi che è elettrizzante per il suo tempo e ancora completamente coinvolgente. Michael Mann è sicuramente un fan, poiché puoi sentire l'influenza di questo film durante la sua carriera.

'Il prigioniero spagnolo'(1997)
Per il suo quinto lavoro da regista, David Mamet è tornato nel mondo degli stratagemmi e degli uomini di fiducia. Questa volta il marchio è Joe Ross (il sempre sottovalutato Campbell Scott), un geniale ma ingenuo inventore del 'Processo', ' una formula vagamente definita che dovrebbe prevedere i mercati globali e, comprensibilmente, merita una fortuna. Ross lavora per il signor Klein (Ben Gazzara) che promette a Ross un grande giorno di paga è in negozio non appena sarà in grado di vendere il 'Processo'. Mentre è nei Caraibi per un incontro con potenziali investitori, Ross incontra Jimmy Dell (Steve Martin, poco prima dell'inizio del suo periodo di recitazione per finanziare la mia collezione di arte contemporanea e la mia carriera da banjo), un estraneo insolitamente ricco. I due si incontrano ancora una volta a New York e ne consegue un'amicizia. È a questo punto che qualsiasi altro riassunto della trama farebbe un disservizio alla sceneggiatura carica di torsione di Mamet. È interessante notare che Mamet ha deciso di spostare le sue solite ambientazioni: invece di passare il loro tempo in sale da poker e bar fumosi, i personaggi del film si trovano in country club e ristoranti esclusivi, con esterni durante il giorno che prendono il posto dei vicoli bui della notte del precedente Mamet pellicole. Pur mantenendo il familiare Mamet staccato, i personaggi parlano in un tono affettuoso ed educato (il film ha ottenuto un punteggio PG, quindi le bombe F di 'Glengarry Glen Ross' sono inesistenti). Questo cambiamento serve solo a evidenziare una lezione familiare del film: le cose non sono sempre come sembrano. E per i fan di The Wire ”; tieni gli occhi aperti per una breve apparizione dall'inimitabile senatore Clay Davis.

“Thief” (1981)
L'ultimo lavoro ”; il genere è vecchio quasi quanto il mezzo stesso, ma dal momento che Michael Mann 'Ladro', 'Ladro' tutti i cineasti che tentano di esplorare un tale paradiso tropicale non sono stati in grado di raggiungere le stesse altezze. James Caan è l'omonimo intrigatore, tutto grasso per gomiti e machismo, che trova difficile fare affidamento su alleanze rocciose quando cerca disperatamente un'uscita dalla sua professione. Quando le persone stanno provando a mettere in ginocchio un giovane James Caan a petto tondo per una vita dignitosa, sai che hai a che fare con dei tizi cattivi. Il thriller classico di Mann è un bruciore lento, fino a un climax violento appena uscito dal libretto di Mann, pieno di istrionismo maschile dal culo cattivo, ma anche una tristezza indelebile. Non è stato datato così male come alcuni dei lavori di Mann negli anni '80 (questo significa che tu, 'Manhunter'), ed è ancora una delle sue foto migliori.

'Rischio di tocco di classe'(1960)
In grado di interpretare ruoli da gangster senza cuore, poliziotti gelidi o parti malvagie simpatiche, il versatile Lino Ventura (vedi sopra) è ancora una volta protagonista di “Classe Touchez Risque” di Claude Saudet, probabilmente un film di rapina di gangster più tragico ed emotivo rispetto a molti di questo, a volte importa- in effetti era mien. Interpretando un boss criminale un tempo ricercato nella sua nativa Francia, il personaggio di Ventura Abel Davos decide di tornare ancora una volta per vedere la sua famiglia. Un giovane associato cum-up-coming-thug (Jean-Paul Belmondo) viene inviato per aiutarlo a fare il viaggio attraverso il confine e i due legami, soprattutto perché il giovane conosce l'uomo più anziano per la sua impressionante reputazione. Mentre Belmondo recita una parte fedele - a volte il quadro è descritto come relativo alla loro relazione - la legge alla fine raggiunge Davos, il che crea circostanze strazianti per sua moglie e i suoi figli (che in un certo senso lo rendono uno spettacolo solitario). Un film sempre guardabile e avvincente, il regista Claude Sautet non è ben noto al di fuori di questo film, ma il suo film del 1978, 'Una storia semplice', con Romy Schneider, è stato nominato per un Oscar per il miglior film straniero.

'Il cerchio rosso'(1970)
Con così tanti potenziali punti di ingresso in una storia di rapina - il momento in cui il piano va storto, l'incontro dei protagonisti, la schiusa della trama - è solo una delle perversità di Jean-Pierre Melville 'Le Cercle Rouge'. ; (un nome tratto da una citazione buddista, simulato dal regista) che sceglie di iniziare il suo film a miglia di distanza nel tempo, nello spazio e nell'umore, dalla scena del crimine. Ma i piaceri strani e spartani del suo approccio off-kilter - due della banda si incontrano a causa di una stupenda coincidenza che sfida le convinzioni; il terzo rifiuta la sua quota degli utili; il loro avversario poliziotto li insegue incessantemente, eppure anche due volte lo vediamo tornare a casa, fare un bagno e parlare con i suoi gatti - esercitare il proprio potere irresistibile. Bene, è quello o gli zigomi di Alain Delon. In ogni caso, con incrementi, arriviamo alla radice per il trio taciturno (a parte la sequenza di rapina senza dialoghi di 25 minuti di bravura, c'è sorprendentemente poca chiacchierata dai nostri antieroi) fino alla loro inevitabile venuta. Che ciò non avvenga attraverso i tradimenti interni che di solito causano il disfacimento delle bande criminali cinematografiche, ma invece è la loro lealtà reciproca, è il colpo di grazia di Melville: a quel punto le nostre simpatie sono state così contorte che ci schieriamo completamente con questi assassini e ladri contro un mondo che sembra molto più duplicato e ignobile di loro. John Woo si avvicinò alla regia di un remake scritto da Steven Knight, ma andò in pezzi - probabilmente per il meglio.

'La giungla di asfalto'(1950)
Il 1950 noir di John Huston potrebbe essere meglio conosciuto ora per i film che ha influenzato (almeno la metà dei titoli in questa lista, in particolare 'Rififi'), e per una prima luminosa interpretazione di Marilyn Monroe, ma il film, sebbene cigolante è in alcuni punti e rovinato da un dialogo didattico e moralistico, è ancora un pezzo convincente a sé stante. L'arco narrativo (un uomo ha un piano, riunisce una banda, tira fuori una rapina, solo per avere la possibilità e la natura umana sventare lo schema) è diventato praticamente il modello del film della rapina, ma dettagli come la corruzione delle forze di polizia e l'attenta caratterizzazione dei membri della banda mantengono fresco il procedimento. E mentre abbondano i dibattiti favorevoli alla censura sulla natura della criminalità, è chiaro dove risieda effettivamente la simpatia di Huston; è il potere, non la violazione della legge, che corrompe qui, quindi le uniche persone con qualsiasi tipo di codice sono quelle in fondo alla catena alimentare: la piccola cappa di Sterling Hayden; la ragazza che lo ama; il guidatore di fuga gobbo e il padre di famiglia sicuro di sé. Il disgusto è riservato a coloro che sono più in alto nella gerarchia, i cui desideri degenerati alla fine li ostacolano (sia la mente mentale che il personaggio anteriore / recinto - un soave Louis Calhern - sono annullati dal loro interesse per le giovani ragazze del nubile), mentre Dix di Hayden è ricompensato per la sua fedele fedeltà, seppure mal riposta, e perversa nobiltà, con il tipo di morte tragica, teatrale, poetica; il più grande onore che un criminale cinematografico nell'opprimente anni '50 che l'America potesse sperare.

'Il secondo respiro'(1966)
Parla di Jean-Paul Belmondos e Alain Delon è tutto ciò che ti piace, ma forse uno dei veri grandi dell'era del crimine francese è il sottotitolato e meraviglioso Lino Ventura (quell'uomo di nuovo ...) che ha avuto anche ruoli importanti in molti altri Jean-Pierre Foto di Melville. Mentre non è così avvincente come 'Le Samourai' o 'Le Cercle Rouge' di Melville (né discutibilmente tanto coinvolgente come il thriller criminale a guida di Melville prima, 'Les Dolous') 'Second Wind' (come è noto nella sua traduzione inglese ) sta assorbendo, se un po 'tentacolare per la sua autonomia di 2 1/2 ore. In apertura con una fuga senza fiato dalla prigione, il film segue Gu (Ventura), abbreviazione di Gustavo, cercando di lasciare il paese, ma non prima che possa trovare il suo amore Machouche (Christine Fabréga). Naturalmente, ha bisogno di fare un altro lavoro (non è sempre un altro?) Per risparmiare abbastanza graffi in modo che lui e la ragazza possano fuggire con conforto in un paradiso tropicale. I poliziotti storti (e un detective particolarmente sadico interpretato da Paul Meurisse) non lo rendono facile, e accettano Gu con false accuse, lo picchiano e fanno in modo che sembri che abbia distrutto il resto del mondo del crimine e i suoi complici nella sanguinosa e violenta rapina in banca di Brinks van che avevano ritirato prima. Visto come un traditore, Gu sfugge alla prigionia della polizia e quindi fa il possibile per cancellare il suo onore, ma impara rapidamente i ladri e l'onore in genere non si mescolano bene. Il defunto Alain Corneau ha tentato di rifare il film nel 2007 con Daniel Auteuil, Monica Belluci e Michel Blanc, senza risultati.

'Calore'(1995)
Quante dannate recensioni e articoli su questo film si sono sostanzialmente fissati sul fatto che è il primo abbinamento sullo schermo tra Pacino e De Niro? Abbastanza giusto, è un affare abbastanza grande e tutto, ma 'Heat' è un pezzo di ensemble grandioso e complesso, e il grande metodo incontra e saluta è solo una parte del suo raffinato orologio. Questo sforzo d'insieme si estende ben oltre il cast: tra loro, il cristallizzatore Dante Spinotti, il compositore Eliot Goldenthal e il regista Mann hanno tessuto uno spazio luminoso da sogno dall'ambientazione di Los Angeles: un paesaggio che è al contempo misteriosamente bello, glacialmente solitario e disumanizzato. Le costolette da regista di Mann sono al culmine: la coinvolgente e cinetica lotta antincendio nel centro di Los Angeles, che vanta un miracoloso e rumoroso sound design, è probabilmente il singolo pezzo più importante della coreografia d'azione da quando Peckinpah ha reinventato la forma. La sceneggiatura è densa e ricca di sfumature, che esplora le relazioni gang / familiari, le perenni ansie maschili / cinematografiche noir riguardo all'impegno emotivo e inchioda un certo ethos di lavoro come identità che era molto diffuso negli anni crepuscolari del secolo americano. Il cast è uniformemente eccezionale. (Fa andare OTT? Beh, sì, fino a un certo punto, ma funziona principalmente nel contesto del personaggio e in contrasto con De Niro.) L'influenza di 'Heat' continua a raccogliere vapore - 'The Dark Knight', i videogiochi come 'Kane e Lynch', ehm, 'Takers' - e il suo status è praticamente il coglione del cammino per quanto riguarda i colpi di rapina contemporanei.

'The Taking Of Pelham One Two Three'(1974)
L'anno scorso, Tony Scott ha tentato di rifare il film fondamentale della metropolitana di Joseph Sargent, ma la verità è che è stato battuto da Spike Lee un paio di anni fa con 'Inside Man'. Come quel film, Pelham ”; ottiene il suo fascino in più trattando ogni ostaggio come se fosse una persona reale, una pedina colorata in una micidiale partita a scacchi in cui nessun pezzo è usa e getta. Ma i giocatori periferici in “; Pelham ”; egualmente sono abbinati abilmente, il perseguitato puncher dell'orologio Walter Matthau inseguendo diligentemente il cattivo assetato di sangue Robert Shaw, in una competizione di gatto e topo alimentata da un'intensità giocosa, fino a quel classico tiro finale. È un altro film che Tarantino ha 'omaggiato' in 'Reservoir Dogs', con i nomi dei ladri con codice colore. Oh, e abbiamo già citato il timer di tutti i tempi di David Shire?

'Grand Slam ' (1967)
Guidati da Klaus Kinski, Janet Leigh e Edward G. Robinson, dovresti seguire questo film basandoti solo sul casting. Ma questa lingua inglese, la produzione europea diretta dal altrimenti sconosciuto Giuliano Montaldo è un semplice colpo di rapina che ci porta metodicamente attraverso ogni fase di un lavoro, dall'assunzione del team di esperti, attraverso la loro trama del lavoro e l'esecuzione che non del tutto risulta come previsto. La premessa è semplice: un professore in pensione (Robinson) presenta il lavoro di una vita a un criminale professionista: la rapina di una compagnia di diamanti in Brasile. Con ogni angolo immaginabile coperto, il lavoro si risolve in un intoppo quando un sistema di allarme nuovo di zecca, il titolare Grand Slam 70, viene installato poco prima della rapina pianificata. Da lì, le cose diventano ancora più pelose. Montaldo dirige con un occhio incredibilmente visivo e un senso del ritmo assolutamente da cracker. Il film corre come un dannato metronomo che ti fa tremare i nervi. Ma tutto ciò non significherebbe nulla se l'attuale sequenza di rapina non si classificasse tra i grandi; eseguito senza fiato mentre guardiamo la squadra cercare di superare il loro eventuale destino. “; Grand Slam ”; non è quasi mai menzionato nelle solite liste di grandi film di rapina, ma basta guardare questo film inventivo, emozionante e divertente e vedrai perché merita di essere scoperto.

'Rififi'(1955)
Si lo sappiamo. Questo è il nonno di tutti i film di rapina, quello che è in cima alla lista di tutti e il suo nome viene costantemente abbandonato. Ma se non hai visto il film (e per Dio, dovresti rimediare rapidamente a questa situazione) non farti ingannare nel pensare che questa sia solo una pietra di paragone cinematografica di cui tutti parlano ma nessuno guarda davvero. Se non altro, Jules Dassin 's “; Rififi ”; rimane il modello e lo standard, con una sequenza di rapina al centro che deve ancora essere superata. La trama è roba standard: quattro ragazzi prendono di mira una gioielleria, pianificano il lavoro perfetto e le cose non vanno come previsto. Ma il colpo da maestro di Dassin è la rapina di 30 minuti, quasi completamente silenziosa (nessun dialogo, nessuna colonna sonora) che getta brillantemente gli spettatori nella rapina da brividi e piena di tensione. Un capolavoro in ogni senso della parola, Rififi ”; rimane il portatore di torce per il genere con un'ottima ragione.

'Pomeriggio pomeridiano'(1975)
A 35 anni dalla sua uscita, è facile dare per scontato quanto sia stato coraggioso e all'avanguardia il 'Dog Day Afternoon' di Sidney Lumet. Basato su un vero incidente, segue Sonny (Al Pacino), un veterinario del Vietnam che, con un gruppo di coorti, rapina una banca per finanziare l'operazione di cambio di sesso del suo amante (maschio). È straordinario per il modo onesto, comprensivo e privo di cliché che raffigura un personaggio gay - anche adesso è raro vedere un personaggio gay come Sonny. Anche allora, tuttavia, la sua omosessualità non è al centro dell'attenzione - proprio come 'Network' (probabilmente l'unico film del CV di Lumet in grado di superare questo), il regista è interessato alle celebrità, al modo in cui i media e alla gente di New York, denigrare e celebrare il piano di Sonny. L'atmosfera del documentario portatile è ancora fresca oggi, la sceneggiatura di Frank Pierson è una specie di masterclass e l'editing, del defunto, grande Dede Allen, è ai massimi livelli. Forse la cosa più degna di nota è la performance di Pacino: forte, vulnerabile, disperata, rivoluzionaria, maschile, femminile: puoi tenere Michael Corleone, questo è quello per cui lo ricorderemo. Neanche il cast di supporto può essere dimenticato: John Cazale, Charles Durning, Chris Sarandon e persino una giovane Lance Henriksen sono tutti fantastici.

- Rodrigo Perez, Nick Clement, Andy Linnane, Oliver Lyttelton, Jessica Kiang, Kevin Jagernauth, Tristan Eldritch, Tan Nguyen