Non è necessario applicare i claustrofobi: 16 film in una sola posizione
Uno dei principi di base ai quali i registi principianti vengono insegnati e incoraggiati nella scuola di cinema, almeno quando stanno iniziando, è quello di scegliere un luogo semplice, idealmente unico per ragioni pratiche: budget e mancanza di ciò, permessi, controllo, illuminazione facilità, ecc. Se sei uno studente di cinema al verde con pochi mezzi, il modo più semplice per fare un film è metterlo in un ambiente in cui idealmente hai il controllo totale.
Per dire; Quentin Tarantino imposta la sua foto 'Le Iene'All'interno di un magazzino e in realtà non ha mai mostrato la rapina, scegliendo invece di mantenere l'interno come un tiro interno, salvo alcune scene all'esterno che probabilmente sono state girate in un giorno o due. È interessante notare che, nella nostra lista dei migliori film in una sola location, quasi tutti questi cineasti mettono questi film in una singola ambientazione per scelta creativa e non perché sono stati costretti a farlo. La metodologia alla base non è lontana da Jack White'Il manifesto di meno è più all'interno del strisce bianche: forzarti a essere creativo in modo creativo sottraendo tutti i giocattoli che normalmente hai a disposizione e tornando alle origini.
Danny Boyle'S '127 ore'Arriva oggi nei cinema in versione limitata e, sebbene non sia ambientato rigorosamente in un'unica posizione, la stragrande maggioranza del film è ambientata in un singolo canyon claustrofobico, con il canyoner Aron Ralston intrappolato sotto un masso. Boyle usa ogni trucco nel suo vocabolario cinematografico per mantenere la situazione fresca, ma abbiamo pensato di esaminare come gli altri registi, da Alfred Hitchcock a, più recentemente, 'Sepolto'direttore Rodrigo Cortes, hanno gestito un'unica posizione.
“Rope” (1948)
Nel 'Corda', Basato sul caso della vita reale di Leopold e Loeb, due studenti universitari che hanno creduto nella teoria dell'omicidio Übermensch di Nietzsche come l'ultimo atto di superiorità intellettuale, Alfred Hitchcock solleva una serie di ostacoli tecnici nel suo modo di portare la storia (basato nel 1929 Patrick Hamilton giocare) sul grande schermo. Oltre all'impostazione della posizione singola, un appartamento, Hitchcock recita il film in (più o meno) tempo reale (guarda il sole cambiare posizione fuori dalla finestra per tutto il film) e tenta di presentare il film come uno scatto ininterrotto grazie ad alcuni editing intelligente. Mentre i gambetti tecnici non funzionano sempre e talvolta sono fonte di distrazione, l'effetto complessivo non può essere negato. Con le fantastiche interpretazioni da protagonista di John Dall e Farley Granger nei panni del duo omicida, e del sempre affidabile James Stewart come loro insegnante sospettoso, 'Rope'. è un gioco di gatto e topo diabolicamente divertente che aumenta la posta in gioco mantenendo tutti i giocatori nel frame per tutto il tempo di esecuzione. Dall in particolare è straordinario come Brandon, un fascio di gioia vertiginosa unita a un perverso senso di realizzazione, mentre Granger tiene il suo come il molto più nervoso e pieno di sensi di colpa di Phillip. Anche se sai come il loro crimine perfetto è rdquo; viene infine rivelato, “; Rope ”; è ancora molto divertente da guardare. Lo sparring verbale è delizioso e la striscia di omoerotismo che attraversa il film è notevole per il suo tempo. Non molti dei film ambientati in questa lista tentano tanto quanto Hitchcock si destreggia qui, ma per la maggior parte funziona e, cosa ancora più importante, la storia diventa rapidamente molto più affascinante delle novità usate per raccontarla. [B +]
“12 Angry Men” (1957)
Pedanti, stai giù - mentre il film è prenotato con scene all'esterno e il bagno è brevemente in primo piano, 'Angry Men' 12 Angry Men. è al centro un film in un'unica location; succede tutto ciò che importa, racchiuso nel tempo e nello spazio, in una stanza della giuria sudata e senza caratteristiche in cui vengono inviati i 12 uomini del titolo per decidere il destino di un uomo accusato di omicidio. Basato su (e apparentemente diverso dal punto di vista della sceneggiatura) da un teleplay con lo stesso nome, che il film non ha mai fatto altro che cinematografico, nonostante le sue radici televisive e la deliberata teatralità della sua messa in scena (testimonia la bellissima coreografia di quel momento devastante in cui il ranting razzista si rivela, e ciascuno dei suoi compagni uno a uno si alza e gira le spalle) è in gran parte a causa delle prestazioni vesciche, sbranato da un mai meglio Sidney Lumet nel corso di un arduo processo di prove. Una menzione speciale deve andare a Henry Fonda, il cui lavoro qui è un capolavoro di eufemismo e intelligenza contenuta e promuove il film da una meditazione sulla liberalità, sul sistema giudiziario e sul significato della giustizia (interessante) a un saggio attentamente osservato sulla meccanica del potere e della manipolazione (interesse). Sì, alcuni dettagli possono sembrare banali ora: un testimone GASP non indossava gli occhiali; un vecchio SHOCK si trascina una gamba, ma più spesso non sono i fatti. che cambiano idea, invece ogni uomo viene smentito esponendo la sua arroganza, parzialità e meschinità al resto ea se stesso. Questo forse è il risultato più notevole del film; è un monumento imponente all'idea che l'uomo ordinario '. è nel cuore buono e gentile - è solo che a volte ha bisogno di ricordare un po '. [UN]
“Scialuppa di salvataggio” (1944)
Alfred Hitchcock ha sicuramente avuto una sorta di inclinazione creativa masochista per mettere le sue produzioni in situazioni extra impegnative, come dire, all'interno dei confini di una scialuppa di salvataggio con eccentrica diva (e noto panty eschewer) Tallulah Bankhead. Quindi aggiungi un set di un'amputazione primitiva della gamba per divertimento! Il film dell'ensemble della Seconda Guerra Mondiale ha raccolto Oscar come miglior regista, la migliore storia cinematografica originale (di John Steinbeck), la migliore cinematografia in bianco e nero (rinunciare ai fantasmi del passato delle categorie Oscar) e tutta una serie di polemiche per ciò che è stato visto come un ritratto propagandista di un capitano nazista che finisce a bordo della scialuppa di salvataggio. L'equipaggio eterogeneo messo insieme dopo che una nave passeggeri e una U-Boat tedesca si affondano si formano un piccolo modello U.N. di razze, credi e nazionalità, e tutti devono imparare ad andare d'accordo per sopravvivere - e non tutti lo fanno. Hitchcock si è presentato con la vera sfida nel girare questo film: attaccare un gruppo di attori in una scialuppa di salvataggio in mezzo all'oceano non offre a un regista molte opzioni visive, ma ha messo in scena gli attori all'interno della cornice in modo dinamico a strati , utilizzato primi piani e creato magistralmente un intero universo entro i confini della barca semplicemente riempiendo il telaio di personaggi. Nonostante la piccola location, il film non sembra mai claustrofobico. Hitch ha anche aggiunto un'altra sfida narrativa al suo piatto eliminando completamente la colonna sonora (tranne l'inizio e la fine), lasciando che il pubblico non sia influenzato da segnali musicali, imparando ciò che dovevano sapere dalle azioni dei personaggi, Hitch ’; il lavoro e il montaggio senza pari della fotocamera e il suono diegetico desolato dell'oceano che batte contro lo scafo. Tutti i cineasti single-location là fuori: inchinati davanti al tuo padrone. [UN]
“The Breakfast Club” (1985)
La rovina dell'esistenza al liceo - a parte l'imbarazzo e il non adattamento - è la detenzione, quindi è stato in qualche modo geniale per John Hughes usare l'incarcerazione fisica come metafora emotiva per l'angoscia e l'angoscia di tutti gli adolescenti, indipendentemente dalla loro posizione a scuola , sentire. Forse non così claustrofobico come alcuni film in questo elenco, 'The Breakfast Club' è ancora in linea con il disegno dato che il film è interamente ambientato in una scuola superiore nel peggior giorno possibile per un adolescente: un sabato. L'hai visto, quindi non abbiamo bisogno di dirti molto di più su questo classico degli anni '80 che costringe un secchione, un atleta, un reietto, un criminale e una preda a risolvere i loro problemi collettivi, ma è un inventivo premessa che ovviamente ha funzionato a picche. C'è molta rabbia e lacrime nella drammaticità quando gli studenti del film sono costretti a confrontarsi con le loro paure e demoni, ma alla fine è questa candida autoanalisi che li lascia, e noi spettatore, sentiamo un po 'più capito in un mondo che è in gran parte crudele e spietato. [UN]
“Buried” (2010)
Il concetto è semplice: un uomo si sveglia sepolto vivo in una bara e deve combattere per la sua vita. E a dire il vero, il film di Ryan Reynolds ha avuto un sacco di brusio e calore per la sua ambiziosa presunzione che ha trovato l'attore sullo schermo, da solo, per l'intera durata del film. E mentre Reynolds si dimostra in grado di mantenere una presenza infernale per il runtime del film, è un peccato che la sceneggiatura di Chris Sparling non possa eguagliare l'energia messa dall'attore principale del film. Afflitto dal problema del personaggio di Reynold con un servizio di telefonia sotterranea incredibilmente forte, la sceneggiatura non fa che peggiorare da lì. In sostanza, 'Buried ”; sono 90 minuti di telefonate e poiché quei personaggi sono solo voci per cui Reynolds può rimbalzare, diventa subito evidente quanto sia sottilmente costruita l'intera impresa. Raggiungendo un certo peso narrativo, la sceneggiatura si trasforma in una sorta di dichiarazione politica in fase avanzata, ma non riesce a convincere. Il regista Rodrigo Cortes fa del suo meglio per mettere in scena in modo creativo un film che si svolge in uno spazio estremamente limitato, ma ci sono solo tanti modi diversi in cui puoi inquadrare Reynolds in un primo piano. Tutto fumo e niente fuoco, 'Sepolto' si inscatola letteralmente. [C-]
“Cube” (1997)
Un esercizio nel fare molto con un po 'di cubo & cubo ”; è stato girato in 20 giorni con un singolo 14 'x14' fissato per soli $ 365.000 CAD, ma ha generato due film successivi (un sequel e un prequel) e un seguito piuttosto cult. È un lavoro snello e avvincente in cui il trucco tipicamente kafkiano (un gruppo di estranei si sveglia in un cubo da incubo costituito da stanze in costante mutamento e dall'aspetto quasi identico, molte delle quali sono truccate per uccidere), come in tutte le la migliore fantascienza, esiste davvero solo come una scusa per indulgere in un po 'di filosofo vecchio stile e un po' di potere in stile 'sopravvissuto' gioca come forme di alleanze temporanee e si sbriciolano e le persone si rivelano non essere ciò che sembrano. Noi diciamo piace il miglior film di fantascienza, però, perché anche al suo meglio, 'Cubo'. non ci arriva mai; non fa neppure quel salto nel vero strano e / o contorto, come '2001', o addirittura 'Primer', 'rdquo; o “; Pi, ”; ma non ci dà alcuna risposta effettiva, e quindi rientra piuttosto tra tutti gli sgabelli disponibili, con una recitazione e una caratterizzazione piuttosto logori che lo rendono inadeguato a essere un pezzo d'insieme in stile Sunshine. Ma ovviamente questi sono per lo più paragoni con film che hanno avuto molte, molte volte il budget di Cube, quindi forse è sgarbato a nitpick. Se non altro, dobbiamo ringraziarlo per aver annunciato l'arrivo di un nuovo promettente regista horror / fantascientifico in Vincenzo Natali, che da allora ci ha portato artisti del calibro di “;cifra”; e “;giuntura”; (che ci è piaciuto molto), ed è attualmente associato a quel Santo Graal di fantascienza - un adattamento di William Gibson 'Neuromancer'. [B]
“Phone Booth” (2002)
Una testimonianza della sopravvivenza dell'alto concetto di Hollywood, sceneggiatore Larry CohenIl tono di questo film è rimasto sugli scaffali per poco più di 40 anni, essendo stato sviluppato una volta da nientemeno che Alfred Hitchcock. Il film finì in via di sviluppo sotto l'occhio vigile di un regista considerevolmente meno talentuoso, uno Joel Schumacher, noto per aver definitivamente posto fine al franchise di Batman negli anni '90. Il risultato finale è proprio quello che ti aspetteresti, anche se Schumacher contesta una convincente interpretazione da protagonista di un allora non testato Colin Farrell (in precedenza aveva lavorato con Schumacher in quello che equivaleva al miglior film del regista degli anni 2000, 2000). s Drammatico del campo di addestramento del Vietnam 'Tigerland' (rdquo;). Come singolare sfortunato pubblicista di douchebag Stu Shephard, Farrell suda, grida e lacrime nello scompartimento di vetro, è permanentemente rinchiuso sotto l'occhio vigile di un cecchino senza nome (Kiefer Sutherland, che trascorre quasi l'intero film a informare Stu della sua imminente scomparsa voice-over e, ovviamente, lo inchioda). Tra i due uomini si trova un fidato archetipo di poliziotto nero a freccia dritta Capitan Ramsey (Forest Whitaker, sempre affidabile e che porta un certo grado di venerazione a un personaggio stanco). Rovinare i tormenti subiti da Stu e se mai uscisse vivo dalla cabina del telefono minerebbe i turbolenti drammi di Schumacher: quando l'intero film è un pezzo fisso, c'è solo così tanto gas che puoi bruciare prima che le cose rallentino fino a diventare melassa. Fortunatamente, 'Phone Booth' rdquo; mantiene la tensione su e su e si trasforma in un thriller utile, a volte emozionante e sempre guardabile con un unico thriller che, per la maggior parte, si consuma meno rapidamente di quanto si pensi. [B]
“; Lebanon ”; (2009)
Il nuovissimo “;Libano”; rende questo elenco non solo perché letteralmente tutta l'azione è vista dal punto di vista di un carro armato, ma anche perché questa singola posizione viene utilizzata per un effetto sorprendente. La ricostruzione di Samuel Maoz delle proprie esperienze di artigliere israeliano durante la guerra del 1982 tra Israele e Libano (ad eccezione del primo e degli ultimi due scatti del film) è interamente all'interno di un carro armato israeliano supportato da una squadra di paracadutisti che si spostano nel territorio nemico il primo giorno di battaglia. Lo stand-in di Maoz, il mitragliere Shmulik (Yoav Donat) rimane intrappolato in questo aggeggio per la durata del film, insieme al suo equipaggio, guidato da un comandante che si cimenta con le personalità contrastanti dei suoi uomini. Senza dubbio hai familiarità con l'espressione che quando metti più persone in una stanza per un lungo periodo di tempo, le cuciture si separeranno inevitabilmente e verranno a botte. In “; Libano, ”; il carro armato è a malapena una stanza e gli uomini vivranno o moriranno alla fine del giorno - e se non oggi, allora domani. Il serbatoio offre protezione, ma è anche una trappola, una che non ha via d'uscita, uscita di emergenza. Se il serbatoio brucia, anche la carne lo fa. “; Lebanon ”; è un film con le palle al muro e dovrebbe essere visto, vissuto, se non necessariamente apprezzato. [B +]
“Panic Room ”; (2002)
Per il suo seguito al fallimento originariamente critico e commerciale 'Fight Club'. (sappiamo tutti come è andata a finire), David Fincher ha deciso di dare al moderno thriller un'iniezione di ritenzione anale solo un paio di visionari in questo business possono sfogare. Con 'Panic Room', Fincher delinea minuziosamente il design di una massiccia casa a schiera che sta per essere assediata da tre uomini di temperamenti molto diversi: il giovane (Jared Leto), il guidatore di autobus sfrangiato Raoul (Dwight Yoakam) e il compiacente , sebbene coscienzioso, sicuro cracker Burnham (Forest Whitaker, che tra questo e 'Phone Booth' ha dominato il mercato del 2002 su autorevoli personaggi di supporto neri in spazi chiusi). La tensione in questo esempio di location singola proviene da Meg (Jodie Foster) e Sarah Foster (Kristen Stewart, mordendosi il labbro con il meglio di loro in un primo esempio di recitazione apatica che l'avrebbe portata attraverso 'crepuscolo'Serie), una madre e una figlia la cui unica sventura si è trasferita nel giorno sbagliato. Fortunatamente, la casa ha una nuova “stanza di panico” impenetrabile e fornita di cibo e telecamere che sorvegliano la casa. Il problema è che i ladri stanno cercando di rompere la cassaforte nella stanza e hanno tutte le intenzioni di entrare, a parte far saltare in aria la casa. Come diretto da Fincher e (principalmente) girato da Conrad W. Hall (il figlio del compianto Conrad L. Hall), 'Panic Room'. è oscuro, metodico e magnifico, ma niente di più al di fuori di un thriller affilatissimo con un concetto allettante. Un altro film a testimonianza della tecnica virtuosa di micro-gestione di Fincher, 'Panic Room'. è un piccolo scherzo del regista, ma poco più. Tuttavia, nelle mani di Fincher, questo mette la testa e le spalle al di sopra della concorrenza. [B-]
“My Dinner With Andre” (1981)
A parte il fatto che gli esperimenti propositivi di Hitchcock e le sfide personali (molti dei quali elencati qui), il fest di conferenze sui primi anni ottanta di Louis Malle potrebbe essere l'apogeo delle impostazioni singole. In sostanza una conversazione di 110 minuti, 'My Dinner With Andre', è esattamente questo, una cena prolungata tra due amici girata in tempo reale discutendo della natura della vita, del teatro e altro ancora. I soggetti sono l'attore peculiare Wallace Shawn e il suo amico e regista di teatro sperimentale, Andre Gregory. Gregory è un sognatore curioso mentre Shawn è un tipico newyorkese più cinico, e mentre c'è poco attrito nel loro discorso, le loro sottili differenze creano una dicotomia avvincente. Mentre sembra anche che la verità sul cinema sia andata storta - e sostanzialmente va contro ogni regola del cinema e della sceneggiatura di sempre - la cena con Andre è assolutamente coinvolgente, guardabile e avvincente. Il gusto Collezione Criterion non l'hanno messo fuori come un artefatto, anche loro vogliono guadagnare soldi, lo sai e si rendono conto che è un film sempre avvincente (e nei loro articoli esistono cose molto più secche - vedi il clunker ambientato in una sola posizione 'Secret Honor' di Robert Altman). Durante la cena, Wallace e Gregory toccano filosoficamente argomenti come la natura della vita, dell'esistenza e del teatro, ma sempre con una curiosità aperta e invitante; non ci sono risposte o postulazioni pedanti - questo è colloquio al suo meglio. 100 minuti dopo, quando si rompe il pane e si beve il vino, gli amici si separano e il pubblico rimane a digerire gli argomenti ponderati discussi. Una convenzione in ogni senso che sfida quasi ogni ambito del cinema e della narrazione - non è in alcun senso un documentario e fortemente sceneggiato sulla base di conversazioni di vita reale tra i due protagonisti - 'My Dinner With Andre' è quella regola rara e divertente -breaker che ogni appassionato di cinema dovrebbe almeno vedere una volta. [B +]
“Rear Window” (1954)
Un altro film ambientato in un unico film, un altro capolavoro di Alfred Hitchcock. Questa volta l'ambiente è un complesso di appartamenti del Greenwich Village in cui un'ondata di caldo estivo di New York City ha indotto gli abitanti dell'appartamento a tenere aperte le finestre. Insoddisfatto di limitare semplicemente l'ambientazione del suo film, Hitchcock si presenta con un'altra sfida limitando il punto di vista del film a quello di un singolo personaggio: Jeff Jeffries (interpretato da un cast perfettamente interpretato da Jimmy Stewart), un fotografo con una gamba rotta bloccato su una sedia a rotelle. Confinato nel suo appartamento, Jeffries, che viene visitato occasionalmente dalla sua infermiera (Thelma Ritter) e dalla sua ragazza (una deliziosa Grace Kelly), rivolge la sua attenzione ai vari vicini attraverso il cortile da lui che può vedere attraverso la finestra del suo soggiorno. La donna sola senza marito. L'artista non convenzionale. Gli sposi innamorati. Il singolo musicista che beve. La coppia senza figli che ama il loro cane. Una ballerina formosa. E ovviamente la coppia che combatte sempre. Un giorno scompare la moglie di questa coppia acerbo. Jeffries, esaminando l'appartamento della coppia dai confini del suo salotto, vede prove crescenti di quello che pensa possa essere l'assassinio della moglie per mano di suo marito (Raymond Burr). L'impostazione del complesso di appartamenti diventa rapidamente Jeffries ’; mondo mentre ossessiona nel trovare più indizi. Allo stesso tempo, il pubblico si perde nella narrazione economica di Hitchcock, dove non viene sprecato alcun dettaglio. Guardando oltre Jeffries ’; attraverso i lunghi scatti di Hitchcock del complesso di appartamenti, cerchiamo indizi nella speranza di scoprire il mistero. E prima che lo sappiamo, Jeffries ’; il soggiorno è diventato nostro. [UN]
“Tape” (2001)
È un grande attore teatrale, ma sullo schermo Ethan Hawke può essere un po 'insipido. A meno che non stia lavorando con lui Richard Linklater, per il quale Hawke offre costantemente le sue migliori interpretazioni cinematografiche. E pochi sono migliori di quelli che offre in 'Tape', adattamento di Linklater Stephen Belber giocare. Ambientato interamente in tempo reale, senza mai lasciare la stanza del motel leggermente squallida in cui è ambientato, Hawke interpreta Vince, un trafficante di droga in una piccola città per costringere il suo più vecchio amico Jon (Robert Sean Leonard, un altro veterano del teatro che raramente usava bene sullo schermo ) per confessare di aver violentato l'ex fidanzata di Vince, Amy (Uma Thurman) quando erano più giovani. I colpi di scena giocano raramente alle tue aspettative nei confronti dei personaggi e, per la maggior parte, il lavoro fotografico di Linklater, sebbene non esattamente il più bello, è coinvolgente e per la maggior parte impedisce al film di sentirsi troppo legato al palcoscenico. Ma davvero, come spesso accade per un film ambientato in una location, è la vetrina di un attore e raramente tutte e tre le stelle sono state migliori. Qualcosa di un piccolo esperimento nel canone del regista, ma comunque sottovalutato. [B +]
“Deterrence” (2000)
C'è una lunga tradizione del thriller nucleare claustrofobico a pulsante, dal film di Sidney Lumet 'Fail Safe'Ai più recenti' Crimson Tide 'e' Thirteen Days ', ma nessuno è mai stato altrettanto claustrofobico, almeno nella posizione, come Rod Lurie'Deterrence'. Il debutto alla regia dell'ex critico cinematografico Lurie, è ambientato nel 2008 e vede un presidente sulla pista elettorale (Kevin Pollak) intrappolato in una tavola calda in Colorado a causa di una tempesta di neve, mentre si trovava nel bel mezzo di un conflitto nucleare con un Iraq gestito da Uday Hussein, che ha invaso il Kuwait. Sebbene sia un primo film, Lurie mantiene la tensione in tensione, e mentre l'ex cabarettista Pollak non è il presidente più ovvio nella storia del cinema, è sorprendentemente bravo e si adatta al personaggio - un VP ebreo inaspettatamente elevato al grande seggio di la morte precedente del comandante in capo. Ma sfortunatamente, il film è per lo più un incendio, principalmente a causa di un cast di supporto non convincente, in particolare Sean Astin, favorito da un pizzetto ridicolo, come un razzista di piccole città, e una trama sempre più sciocca. Alla fine le cose raggiungono l'apice con il finale, che non è solo moralmente altamente discutibile (e non in modo deliberato), ma anche un completo trucco narrativo. Non è poco interessante, ma è meglio restare con 'Fail Safe'. [C-]
“Dial M For Murder” (1954)
Va bene, quindi stiamo leggermente barando qui perché il film ha un paio di sequenze fuori dalla casa di Margot (una luminosa come al solito Grace Kelly) e Tony (Ray Milland), ma non lo vedremo come 'Dial M For' Murder ”; è un altro emozionante omicidio perfetto ”; cappero di Hitchcock. Vedi, Tony ha scoperto che Margot ha avuto una relazione con lo scrittore di fantascienza Mark (Robert Cummings) e brivido di risentimento e gelosia che ha intenzione di farla uccidere. Mette in scena una trama elaborata che include il ricatto di Swann (Anthony Dawson), un vecchio alunno di Cambridge, per fare l'atto: Swann aspetterà dietro le tende una sera quando Margot avrà la certezza di essere a casa, e Tony chiamerà la casa. Quando andrà al telefono, Swann emergerà e la ucciderà. Come al solito, il set up sembra impenetrabile, ma una serie di sfortuna e passi falsi ovviamente mandano il piano fuori controllo. Hitchcock si distingue ancora una volta per meravigliarsi, raccontando che sulla carta si tratta di chiamate ritardate e chiavi fuori posto e trasformandolo in un amaro verificabile. Stranamente, riesce anche a convincere il pubblico a simpatizzare (un po ') con Tony; mentre il piano si svela, non puoi fare a meno di provare un pizzico di pietà per il ragazzo. Il film si distingue anche per essere non solo la seconda incursione di Hitchock nel colore, ma anche in 3D. Non sorprende che l'uso del 3D qui sia fonte di distrazione (ma francamente, non peggio dello stesso tipo di buffonate in-face che accadono ancora oggi), ma l'uso del colore da parte del regista (guarda Kelly ’ il cambio di colore del vestito quando lei è con Tony e Mark) è attentamente pensato. Leggermente storto e troppo spiegato all'inizio (dopo tutto è basato su una commedia), il film si mette davvero in forma una volta che la trama è stata messa in moto e, come al solito, il puro divertimento ti porta fuori dalla sua ambientazione limitata. [B]
'1408' (2007)
“; ti avevo avvertito del 1408 ”; L'enigmatico manager del Dolphin Hotel di Samuel L. Jackson, Mr. Olin, si muove in direzione di Mike Enslin (John Cusack), intrappolato nella camera d'albergo presumibilmente tormentata in questa incarnazione cinematografica di Stephen Kingla breve storia con lo stesso nome. Il concetto è deliziosamente semplice: Enslin, un autore di successo che si guadagna da vivere suonando in luoghi presumibilmente infestati, affronta la famigerata stanza 1408 del Dolphin Hotel per il suo prossimo incarico. Ignorando la supplica di Mr. Olin, Enslin si stabilisce nel 1408 e si rende rapidamente conto che è ben al di sopra della sua testa - probabilmente intorno al tempo il posizionamento follemente inquietante di 'We have Only Just Begun' di The Carpenters frantuma il silenzio dell'amply- spazio abitativo di dimensioni. Il regista Mikael Håfström usa gli effetti speciali con parsimonia ma in modo molto efficace, stabilendo l'imprevedibile metamorfosi della stanza che include una scena assolutamente fantastica di realtà letterale che si infrange verso la fine del film. Cusack è in gran parte da solo come Enslin e offre una performance sorprendentemente misurata che si basa fruttuosamente sulla sua umanità danneggiata. Enslin è in molti modi un ottimo candidato per il 1408, con la sua parte di bagaglio emotivo, gli spiriti che possiedono la stanza possono sbloccare e spremere per il massimo danno psicologico. Anche se non particolarmente memorabile, “1408 ”; è abilmente diretto e un piacere da accogliere, rabbrividire e scuotere nei momenti appropriati. [B +]
“Dog Day Afternoon” (1975)
Non c'è molto altro da dire sul fantastico film di Heist di Sidney Lumet, 'Dog Day Afternoon', 'rdquo; ma quale altro colpo di genio per creare tensione creando l'immagine come una rapina maledetta in cui i ladri sono intrappolati all'interno in un caldo pomeriggio a New York City (OK, è basato su una storia vera, ma comunque). Il film ottiene gran parte del suo chilometraggio dai suoi due protagonisti, Al Pacino, maniaco e disinvolto, che interpreta il perdente due volte Sonny nella sua versione più raffinata e spaventata di Sal (un John Cazale meravigliosamente stupido). Il lavoro dovrebbe essere solo il tuo lavoro bancario medio a Brooklyn, ma a causa di una commedia di errori, tutto va storto, la polizia arriva e i criminali inetti che passano sopra le loro teste sono costretti a prendere ostaggi e rinchiudere dentro sperando che il sindaco risponderà alle loro esigenze. La volatilità si intensifica mentre la situazione si allunga mentre gli sbirri (un eccellente Charles Durning) cercano di negoziare con il mercuriale e sudato rapinatore di banche, chiaramente al limite. Più tardi (spoiler nel caso in cui tu non abbia visto, e perché mai non sei tu?), Apprendiamo perché Sonny è così nervoso; il suo amante (Chris Sarandon) cerca di dissuaderlo dalla rapina e scopriamo che le macchinazioni dietro il crimine sono motivate dal desiderio di Sonny di fargli un'operazione di cambio di sesso. È una svolta affascinante a un classico e grintoso smalto per unghie. [UN]
Menzioni d'onore: gli occhi con l'aquila potrebbero aver notato alcune lacune qui, per lo più riguardanti film ambientati interamente sui treni. Ma con 'Inarrestabile' in arrivo, la prossima settimana stiamo salvando quelli per un servizio ferroviario, quindi sii paziente. Altrimenti, ci sono alcuni film che vale la pena menzionare, anche se si discostano dalla loro posizione un po 'troppo per essere inclusi qui. 'The Tenant' di Polanski è un lavoro minore del regista, ma non è interessante, ed è deluso dalla performance centrale - in questo caso, lo stesso Polanski. La sorprendente 'Ark russa' in una sola ripresa è una straordinaria prodezza cinematografica, anche se a volte sembra più un'installazione artistica che un vero film. E 'Dogville' e 'Manderlay' di Lars Von Trier sono entrambi eccellenti, anche se l'ambientazione a location singola è un concetto brechtiano, piuttosto che un vero ingresso nel genere.
Altrimenti, la 'luna' fantascientifica di Duncan Jones è ambientata per lo più nei confini di una stazione spaziale, sebbene occasionalmente faccia escursioni sulla superficie lunare. Allo stesso modo, sia 'Sunshine' che 'Das Boot' sono ambientati interamente in astronavi / sottomarini, ma le posizioni sono abbastanza grandi da non essere abbastanza qualificate, e i 'Clerks' di Kevin Smith si estendono in due posizioni diverse e la strada che li collega . Quest'anno abbiamo visto altri due thriller che non si sono allontanati molto da un unico posto. Uno, 'The Disappearance Of Alice Creed', era piacevolmente contorto, cattivo e ben recitato, l'altro, il 'Devil' prodotto da M. Night Shyamalan, non era ... no. Alla fine, nessuno aveva visto 'Arsenic and Old Lace' di Frank Capra abbastanza di recente per scriverlo e, anche se è in un modo che, diciamo 'Rope' non lo è, vale comunque la pena dare un'occhiata, se i nostri ricordi sbiaditi di è accurato.
- Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Katie Walsh, Tan Nguyen, Kevin Jagernauth, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez
